/
Triển lãm “Ghế Đỏ” Hoàng Anh

Triển lãm “Ghế Đỏ” Hoàng Anh

Thiện Mỹ May 26, 2026

Ngày 08/05/2026, tại Wiking Salon, hoạ sĩ Hoàng Anh giới thiệu triển lãm cá nhân “Ghế đỏ”, dưới sự giám tuyển của David Willis. Đây không phải một sự nối tiếp đơn thuần về mặt hình ảnh sau triển lãm “Phong cảnh lạ thường” năm 2024, mà là sự tiếp diễn của một mạch suy tư về ký ức thị giác, về căn tính văn hoá và những lớp thông tin lịch sử được lưu giữ trong đời sống thường nhật.

Ở “Ghế đỏ”, Hoàng Anh lựa chọn chất liệu thị giác đặc biệt: những mẫu tem bưu chính thời Việt Nam Dân chủ Cộng hoà qua nhiều giai đoạn lịch sử. Các con tem được phóng chiếu và in lại đúng tỉ lệ nguyên bản, giữ nguyên tinh thần đồ hoạ đặc trưng của một thời kỳ mà hình ảnh không chỉ mang chức năng truyền tin, mà còn là công cụ biểu đạt lý tưởng xã hội, tinh thần dân tộc và khát vọng kiến thiết đất nước. Trên nền thị giác ấy, hình ảnh chiếc ghế đỏ xuất hiện như một “vật thể trung gian” đi xuyên qua nhiều tầng thời gian khác nhau.

Hoạ sĩ Hoàng Anh (áo đỏ) và các cộng sự tại buổi khai mạc triển lãm. Nguồn: Artonis.

Tín vật đi xuyên ký ức Việt Nam

Chiếc ghế đỏ vốn là hình ảnh quen thuộc trong đời sống Việt Nam vài chục năm trở lại đây. Nó hiện diện ở quán cà phê cóc, đám cưới bình dân, quán nhậu vỉa hè, những cuộc họp tổ dân phố hay các không gian sinh hoạt cộng đồng. Một vật dụng nhỏ bé, phổ thông và gần như vô danh, nhưng bằng cách đặt nó chồng lên những lớp hình ảnh lịch sử, Hoàng Anh đã khiến chiếc ghế đỏ mang một trọng lượng biểu tượng mới.

Không gian triển lãm “Ghế đỏ”. Nguồn: Artonis.

Trong triển lãm, ghế đỏ không còn chỉ là một vật để ngồi. Nó giống một tín vật văn hoá, một dấu hiệu nhận diện âm thầm nhưng bền bỉ của đời sống Việt Nam hiện đại. Khi xuất hiện trên nền những con tem hiện diện công - nông - phong cảnh đặc trưng của Việt Nam, chiếc ghế đỏ tạo ra một cuộc đối thoại thú vị giữa quá khứ và hiện tại. Những lý tưởng tập thể của một giai đoạn lịch sử gặp gỡ đời sống đô thị đương đại với tính cá nhân, tính đời thường và cả sự pha trộn đầy hài hước của văn hoá thị dân.

Điều đáng chú ý là Hoàng Anh không tiếp cận lịch sử bằng tinh thần hoài niệm thuần tuý. Các tác phẩm không tái hiện ký ức theo cách trang trọng hay bi tráng, mà tạo ra một trạng thái lấp lửng giữa lưu trữ và đời sống. Những con tem bưu chính vốn rất nhỏ bé nay được phóng đại thành không gian thị giác lớn hơn, khiến người xem tò mò với từng đường nét đồ hoạ, từng hình tượng từng quen thuộc nhưng đã bị thời gian làm phai mờ khỏi trí nhớ tập thể. Trong khi đó, chiếc ghế đỏ lại là thứ quá quen thuộc đến mức người ta thường không còn nhìn thấy nó nữa. Một bên là ký ức lịch sử bị lãng quên, một bên là vật thể đời thường bị bỏ quên trong chính sự hiện diện quá phổ biến của mình. Hoàng Anh đặt hai lớp hình ảnh ấy cạnh nhau để khơi gợi cách con người nhận diện bản thân thông qua những điều bình dị nhất.

Không gian triển lãm “Ghế đỏ”. Nguồn: Artonis.

Tính hài hước trong “Ghế đỏ” cũng là yếu tố quan trọng tạo nên sức hấp dẫn cho triển lãm. Chiếc ghế nhựa đỏ vốn mang tính đại chúng mạnh mẽ, gợi cảm giác thân thuộc và có phần dí dỏm. Khi nó xuất hiện giữa những nền đồ hoạ mang tính tuyên truyền hay biểu tượng lịch sử, sự va chạm thị giác ấy tạo nên cảm giác vừa nghiêm túc vừa châm biếm nhẹ nhàng. Dường như Hoàng Anh đang đặt câu hỏi về cách những biểu tượng văn hoá được hình thành: điều gì sẽ còn tồn tại trong ký ức tập thể sau nhiều thập niên? Một hình ảnh mang tính quốc gia, hay chính những vật dụng bình dân gắn với đời sống mỗi ngày?

Cũng từ đó, “Ghế đỏ” mở ra suy nghĩ về căn tính văn hoá Việt Nam trong bối cảnh hiện đại. Bản sắc không chỉ tồn tại ở những biểu tượng lớn lao hay những tuyên ngôn lịch sử chính thống, mà còn nằm trong các vật thể bình dân, trong những chi tiết tưởng như tầm thường của đời sống. Chiếc ghế đỏ trở thành đại diện cho sự có mặt của con người trong xã hội đương đại – một xã hội đa tầng thông tin, nơi ký ức lịch sử, văn hoá đại chúng và trải nghiệm cá nhân liên tục chồng lấp lên nhau.

Không gian triển lãm “Ghế đỏ”. Nguồn: Artonis.

“Ghế đỏ” là bước tiến sâu hơn của Hoàng Anh về việc truy tìm những biểu tượng nhận diện văn hoá. Ở đó, nghệ sĩ không tạo ra các tuyên bố trực diện, mà âm thầm dẫn dắt người xem đi qua những lớp hình ảnh quen thuộc để tự đối diện với câu hỏi về lịch sử, ký ức và chính đời sống hiện tại của mình.

“Ghế đỏ” vì thế không chỉ là một triển lãm thị giác. Nó giống như một cuộc khảo sát về cách ký ức dân tộc tồn tại trong đời sống thường nhật, về cách những vật thể nhỏ bé có thể mang theo cả một hệ thống biểu tượng văn hoá. Và trong cuộc đối thoại giữa những con tem của quá khứ với chiếc ghế đỏ của hiện tại, Hoàng Anh đã tạo nên một thứ ngôn ngữ nghệ thuật vừa gần gũi, vừa nhiều dư âm suy tưởng.

Thông tin triển lãm 

Ghế đỏ

  • Địa điểm: Wiking Salon, 79 Nguyễn Hữu Thọ, Nhà Bè, HCMC
  • Thời gian trưng bày: 08/05/2026 - 28/06/2026
  • Giờ mở cửa: 10:00 - 18:00 Thứ 3 - Chủ Nhật
  • Trưng bày mở cửa theo lịch hẹn đăng ký trước
Tags: Exhibitons
Previous Post Next Post

Other Articles

Triển lãm “Mình hạc xương mai” – Họa sĩ Đặng Kim Long
Exhibitions - August 07, 2026

Triển lãm “Mình hạc xương mai” – Họa sĩ Đặng Kim Long

Sau hơn ba năm kể từ triển lãm cá nhân “Góc nhìn” (2023), họa sĩ Đặng Kim Long vừa giới thiệu triển lãm cá nhân tiếp theo ở tuổi "xưa nay hiếm". Lần này, ông lựa chọn 3B Gallery, TP. HCM làm không gian trưng bày cho triển lãm "Mình hạc xương mai". Họa sĩ Đặng Kim Long phát biểu tại lễ khai mạc triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Triển lãm giới thiệu khoảng 50 tác phẩm sơn mài với các chủ đề về con người (chủ yếu là hình tượng thiếu nữ, phụ nữ trong tà áo dài), thiên nhiên và văn hóa Việt Nam, cùng một số sáng tác mang hơi hướng trừu tượng bán lập thể. Đây không chỉ là những tác phẩm riêng lẻ mà còn là thành quả của hơn một thập kỷ lao động nghệ thuật bền bỉ.  Ở tuổi 71, việc hoàn thành một bộ tranh có số lượng lớn cùng kích thước đáng kể cho thấy sức sáng tạo và sự bền bỉ đáng nể của người nghệ sĩ. Qua triển lãm lần này, Đặng Kim Long không chỉ để lại nhiều ấn tượng với công chúng mà còn truyền cảm hứng cho các nghệ sĩ trẻ – những thế hệ tiếp nối của mỹ thuật Việt Nam. Họa sĩ Đặng Kim Long và tác phẩm của ông trong triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Một mỹ cảm xuyên suốt trong hội họa Đặng Kim Long Hành trình nghệ thuật của Đặng Kim Long không chỉ được đo bằng hơn mười năm miệt mài thực hiện bộ tranh này, mà còn nối dài theo mạch phát triển của mỹ thuật Việt Nam. Điều đó được thể hiện ngay từ tên gọi của triển lãm: "Mình hạc xương mai". Phát biểu tại lễ khai mạc, giám tuyển Cường Quách cho rằng tên triển lãm đã gói ghém trọn vẹn mỹ cảm mà Đặng Kim Long theo đuổi trong nhiều thập niên sáng tác: “Triển lãm này lấy tên "Mình hạc xương mai" là vẻ đẹp của người phụ nữ Việt Nam: mảnh mai, tinh tế, thanh nhã, với bờ vai gầy guộc, nhỏ nhắn, khuôn mặt trái xoan, đôi mắt buồn mơ mộng, đôi vai xuôi, chiếc cổ cao thanh mảnh. Đó là vẻ đẹp mà từ xưa các cụ đã nói:  ‘Mai cốt cách, tuyết tinh thần  Mỗi người một vẻ mười phân vẹn mười.’ Điều đáng nói là vẻ đẹp ấy không chỉ nằm ở một người mẫu cụ thể. Nó là một ý tưởng xuyên suốt, bước ra từ ký ức và từ mỹ cảm của chính anh Long.” Không gian triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Theo giám tuyển Cường Quách, "mình hạc xương mai" không chỉ là một cách gọi về vẻ đẹp thanh mảnh, tinh tế và nhỏ nhắn của người phụ nữ trong quan niệm truyền thống, mà còn là một chuẩn mực thẩm mỹ vẫn tiếp tục được nối dài trong đời sống đương đại. Ông dẫn lại những ca từ của nhạc sĩ Trịnh Công Sơn: "Vai em gầy guộc nhỏ như cánh vạc về chốn xa xôi", hay của nhạc sĩ Quốc Bảo: "Bờ vai ơi, đừng quá nghiêng nghiêng, đánh rơi buổi chiều thơm ngát." để cho thấy vẻ đẹp ấy chưa bao giờ mất đi giá trị. Với triển lãm "Mình hạc xương mai", họa sĩ Đặng Kim Long đang tiếp nối tinh thần thẩm mỹ ấy bằng ngôn ngữ hội họa của riêng mình. Không chỉ gợi nhắc một quan niệm thẩm mỹ truyền thống, triển lãm còn làm sống dậy mỹ cảm đặc trưng của hội họa Sài Gòn trước năm 1975. Chia sẻ tại lễ khai mạc, bà Mã Thanh Cao – nguyên Giám đốc Bảo tàng TP. HCM – cho biết: “Triển lãm "Mình hạc xương mai" đã gợi lại mỹ cảm của nền nghệ thuật Sài Gòn trước năm 1975 – một vẻ đẹp rất lãng mạn. Chất liệu sơn mài dưới bàn tay của anh Long vẫn tiếp tục được hoàn thiện. Chúng ta sẽ được thấy những gam màu rất đẹp, đặc biệt là sắc xanh cùng sự duyên dáng của những mảng cẩn trứng và cách xử lý màu sắc rất tinh tế. Tất cả tạo nên một vẻ đẹp Sài Gòn rất riêng.” Tác phẩm của họa sĩ Đặng Kim Long tại triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Họa sĩ Đặng Kim Long tốt nghiệp Trường Mỹ thuật Gia Định trước năm 1975, ông mang theo tinh thần của một thế hệ họa sĩ miền Nam với mỹ cảm lãng mạn và bảng màu đặc trưng. Những tác phẩm về thiếu nữ của ông gợi nhớ đến tranh của các danh họa như Hồ Hữu Thủ, Nguyễn Trung hay Đinh Cường, trong khi các sáng tác mang hơi hướng trừu tượng lại khiến người xem liên tưởng đến ngôn ngữ tạo hình của danh họa Tạ Tỵ. Giữa những biến chuyển của mỹ thuật đương đại, Đặng Kim Long vẫn kiên định với ngôn ngữ sáng tạo đã theo ông suốt nhiều thập niên. Chính sự bền bỉ ấy đã giúp tranh của ông vừa lưu giữ tinh thần của hội họa Gia Định, vừa tiếp tục đối thoại với người xem hôm nay thông qua vẻ đẹp thanh nhã, lãng mạn và đậm bản sắc văn hóa Việt Nam. Tác phẩm của họa sĩ Đặng Kim Long tại triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Tác phẩm của họa sĩ Đặng Kim Long tại triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Tác phẩm của họa sĩ Đặng Kim Long tại triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Họa sĩ Đặng Kim Long cùng gia đình tại triển lãm “Mình hạc xương mai”. Nguồn: Artonis. Thông tin triển lãm Mình hạc xương mai Khai mạc: 18:00  |  18/07/2026 Thời gian diễn ra: 18/07/2026 - 28/07/2026 Địa điểm: 3B GALLERY  |  38/6i Nguyễn Văn Trỗi, Phường Cầu Kiệu, TP. HCM

Triển lãm “Vượt qua” – Hoàng Tường Minh & Bùi Hải Sơn
Exhibitions - August 05, 2026

Triển lãm “Vượt qua” – Hoàng Tường Minh & Bùi Hải Sơn

Vừa qua, tại Hội Mỹ thuật TP. HCM đã diễn ra triển lãm “Vượt qua”, đánh dấu lần kết hợp hiếm hoi của hai người bạn thân lâu năm – hai nhà điêu khắc Hoàng Tường Minh và Bùi Hải Sơn. Dù theo đuổi những ngôn ngữ tạo hình khác biệt, cả hai đều là những tên tuổi giàu dấu ấn của điêu khắc đương đại Việt Nam. Chỉ với 10 tác phẩm, triển lãm không hướng đến sự đồ sộ về số lượng mà tập trung khẳng định chiều sâu tư duy nghệ thuật, đồng thời mở ra cuộc đối thoại giữa hai hành trình sáng tạo cùng gặp nhau ở một điểm chung: vượt qua những giới hạn để mở ra khả năng biểu đạt mới. “Vượt qua” những “Trầm tích” của Bùi Hải Sơn Năm tác phẩm của Bùi Hải Sơn gồm “Trầm tích I, II, V” và “Thị kiến/Trầm tích III, IV” tiếp tục nối dài mạch sáng tác mà ông theo đuổi nhiều năm qua. Với thủ pháp tách lớp, điêu khắc mang tính “giải phẫu” cùng việc kết hợp đa chất liệu, nghệ sĩ không dừng lại ở việc tái hiện hiện thực vật chất của những lớp “trầm tích”, mà mở rộng chúng thành những suy tư về thời gian, bản chất, sự biến dịch, hủy diệt và tái sinh. Chân dung nhà điêu khắc Bùi Hải Sơn. Nguồn: Artonis. Vẫn kiên trì với đề tài hậu chiến và hình tượng hạt lúa – một biểu tượng quen thuộc trong sáng tác của mình – Bùi Hải Sơn lựa chọn một cách tiếp cận khác với ký ức chiến tranh Việt Nam. Trong thế giới nghệ thuật của ông, chiến tranh không còn hiện diện qua khói lửa hay những đối đầu khốc liệt. Khi thời gian lùi xa, những dấu tích còn sót lại cũng dần rời khỏi chức năng của sự hủy diệt để trở thành chứng nhân của ký ức. Những viên đạn, mảnh kim loại hay phế liệu chiến tranh không còn được nhìn như biểu tượng của bạo lực, mà được nghệ sĩ đưa vào tác phẩm như những vật liệu mang khả năng hồi sinh. Thông qua điêu khắc, chúng được trao một đời sống mới, chuyển hóa từ dấu vết của mất mát thành chất liệu của sáng tạo và suy tưởng. Trong không gian trưng bày tại Hội Mỹ thuật TP. HCM, Bùi Hải Sơn kết nối các khối điêu khắc đồ sộ bằng những sợi laser đỏ mảnh như chỉ. Không chỉ dẫn dắt thị giác, hệ thống laser còn tạo nên một mạng lưới liên kết vô hình giữa các tác phẩm, khiến toàn bộ không gian trở thành một chỉnh thể thống nhất thay vì tập hợp những đối tượng độc lập. Sự mong manh của ánh sáng đối lập với sức nặng của vật chất, đồng thời mở ra nhiều tầng liên tưởng về những mối dây gắn kết tưởng như vô hình nhưng luôn hiện hữu. Tác phẩm của Bùi Hải Sơn tại triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Ở một bình diện khác, những đường laser đỏ ấy cũng có thể được đọc như ẩn dụ cho quá trình hàn gắn sau chiến tranh. Sau những đổ vỡ, điều kết nối con người không còn là những sức mạnh hữu hình, mà là ký ức tập thể, sự sẻ chia và khả năng chữa lành. Những sợi dây ấy tuy mong manh nhưng bền bỉ, giống như ánh sáng đỏ nối liền các khối điêu khắc trong không gian triển lãm. Chính từ quan niệm ấy, Bùi Hải Sơn cho rằng nghệ thuật chỉ thực sự hoàn chỉnh khi tác phẩm, không gian và người thưởng lãm cùng tạo nên một mối quan hệ đối thoại. “Một tác phẩm được xây dựng tốt, đặt trong không gian phù hợp và được đón nhận bằng tâm thế cởi mở sẽ tự tạo nên sự kết nối giữa nghệ sĩ và người xem. Theo tôi, thưởng thức nghệ thuật không phải là đặc quyền của những người được đào tạo bài bản hay hoạt động trong giới mỹ thuật, mà là trải nghiệm đến từ sự rung cảm tự nhiên.” Tác phẩm của Bùi Hải Sơn tại triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Với Bùi Hải Sơn, “vượt qua” không đơn thuần là vượt qua quá khứ, mà còn là hành trình chuyển hóa ký ức. Khi những tàn tích chiến tranh được tái sinh trong ngôn ngữ điêu khắc, chúng không còn kể về sự hủy diệt mà trở thành biểu tượng của khả năng chữa lành và tái tạo – nơi nghệ thuật mở ra một cách nhìn mới về lịch sử, con người và thời gian. “Vượt qua” những “giới hạn” của Hoàng Tường Minh Nếu Bùi Hải Sơn lựa chọn đối thoại với ký ức hậu chiến thì Hoàng Tường Minh lại hướng sự quan tâm đến việc vượt qua những giới hạn của chính vật chất và bản thân người nghệ sĩ. Đối với ông, “giới hạn” không đến từ những tác động bên ngoài mà nằm ngay trong quá trình sáng tạo – nơi mỗi ý tưởng táo bạo đều đòi hỏi một khả năng hiện thực hóa tương xứng. Chính vì vậy, mỗi tác phẩm là một lần nghệ sĩ tự đặt ra những tiêu chuẩn khắt khe hơn để vượt qua. Chân dung điêu khắc gia Hoàng Tường Minh. Nguồn: Artonis. Năm tác phẩm “Không giới hạn I, II, III, IV, V” là sự cô đọng rõ nét nhất cho tư duy ấy. Thông qua ngôn ngữ điêu khắc, Hoàng Tường Minh không chỉ khám phá sức mạnh của vật liệu mà còn đặt ra câu hỏi về giới hạn của con người trước tự nhiên và chính khả năng sáng tạo của mình. Tinh thần ấy gợi liên tưởng đến tư tưởng “vượt lên chính mình” (self-overcoming) trong triết học của Friedrich Nietzsche – nơi con người không ngừng vượt qua những giới hạn đã có để hướng tới một trạng thái tồn tại và sáng tạo mới. Các biến điệu của sức căng, sự đối lập giữa nặng và nhẹ, giữa cân bằng và mất cân bằng tiếp tục trở thành ngôn ngữ tạo hình chủ đạo trong loạt tác phẩm lần này. Tuy nhiên, thay vì chỉ khai thác hình thức, Hoàng Tường Minh tập trung vào khoảnh khắc vật chất tiến gần đến giới hạn chịu lực – nơi xuất hiện điểm bền kéo cực đại (ultimate tensile strength)và điểm đứt gãy (breaking point). Đó không chỉ là những khái niệm của kỹ thuật vật liệu mà còn trở thành ẩn dụ cho ranh giới cuối cùng giữa tự do và định mệnh, giữa quá khứ và tương lai, giữa khả năng và giới hạn. Tác phẩm của Hoàng Tường Minh tại triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Để hiện thực hóa những ý niệm ấy, inox trở thành chất liệu mang tính quyết định trong sáng tác của Hoàng Tường Minh. Dù luôn thực hiện những tác phẩm có kích thước lớn và khối lượng nặng, ông vẫn cố gắng duy trì cảm giác chuyển động và nhẹ bẫng trong từng hình khối. Việc xử lý các mối hàn, kết nối giữa inox và sắt đen vừa phải đáp ứng yêu cầu kỹ thuật, vừa tạo nên hiệu quả phản chiếu và tương phản ánh sáng, đòi hỏi quá trình tính toán tỉ mỉ cùng sự kiên nhẫn gần như tuyệt đối. Với Hoàng Tường Minh, đó không đơn thuần là thao tác chế tác mà là cuộc đối thoại liên tục giữa nghệ sĩ và vật chất – nơi kỹ thuật trở thành một phần không thể tách rời của ý niệm. Ở góc nhìn ấy, “Không giới hạn” không phải là lời tuyên bố rằng mọi giới hạn đều có thể bị xóa bỏ, mà là hành trình không ngừng tiến đến ranh giới của bản thân để rồi tiếp tục bước xa hơn. Đồng thời, đây cũng là cách Hoàng Tường Minh vượt qua những quy ước vốn có của chất liệu, xóa nhòa ranh giới giữa điêu khắc và sắp đặt, giữa khối đặc và không gian, giữa vật thể và trải nghiệm thị giác. Tác phẩm của Hoàng Tường Minh tại triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Chia sẻ về hành trình sáng tạo của mình, Hoàng Tường Minh cho biết: “Nghệ thuật thì không giới hạn, nhưng con người thì có. Không giới hạn với tôi không phải là tuyên ngôn mà là hành trình – liên tục đối thoại, va chạm và vượt qua những giới hạn của chính mình. Tuổi tác không làm tôi thấy bị giới hạn, mà giúp tôi nhìn mọi thứ sâu hơn, bình tĩnh hơn. Khi còn trẻ, ta phá giới hạn bằng năng lượng; khi trưởng thành, ta vượt giới hạn bằng sự hiểu biết. Quan trọng là đừng bao giờ ngừng khát vọng sáng tạo.” Muốn “Vượt qua” thì đi cùng nhau Mười tác phẩm của Hoàng Tường Minh và Bùi Hải Sơn, với tổng trọng lượng hơn 2,2 tấn, được sắp đặt cẩn trọng theo đặc điểm kiến trúc của không gian Hội Mỹ thuật TP. HCM. Dưới sự đồng hành của giám tuyển Vũ Huy Thông, hai nghệ sĩ đã kết hợp các khối điêu khắc đồ sộ với ánh sáng, vật liệu và những khoảng trống, tạo nên một tổng thể thống nhất thay vì những tác phẩm tồn tại độc lập. Từ ý niệm sáng tác đến cách tổ chức không gian, tất cả đều xoay quanh một tinh thần chung: Vượt qua. Lễ khai mạc triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Nhan đề triển lãm gợi liên tưởng đến câu chuyện Moses dẫn dân Do Thái vượt Biển Đỏ trong Kinh Thánh – một biểu tượng về sự giải phóng, chuyển hóa và khởi đầu mới. Tuy nhiên, “vượt qua” ở đây không chỉ được hiểu như một hành động vượt khỏi một ranh giới vật lý, mà còn là hành trình chuyển biến về tinh thần: đi qua nỗi sợ, những giới hạn và những trạng thái tồn tại cũ để hướng đến một khả năng mới. Nói một cách khác, “vượt qua” trong triển lãm lần này hai nghệ sĩ muốn đi qua những điều bất khả, tưởng như không thể trong sáng tạo để đi đến “chân trời sáng tạo” mới.  Trong câu chuyện Kinh Thánh, Moses không chỉ đưa dân Do Thái băng qua Biển Đỏ mà còn dẫn họ rời khỏi thân phận nô lệ để tìm kiếm tự do, từ quá khứ đau thương hướng tới hy vọng về một tương lai khác. Biển Đỏ vì thế trở thành ranh giới giữa hai trạng thái tồn tại – nơi con người buộc phải lựa chọn bước tiếp dù phía trước vẫn còn nhiều bất định. Nhà điêu khắc Hoàng Tường Minh (trái) và nhà điêu khắc Bùi Hải Sơn (phải). Nguồn: Artonis. Đặt trong không gian triển lãm, tinh thần ấy được chuyển hóa thành trải nghiệm của người xem. Những vách ngăn vừa chia cắt vừa kết nối các khu vực trưng bày, hệ thống ánh sáng được tính toán riêng cho từng tác phẩm, cùng những vật liệu quen thuộc như tấm cốt pha xây dựng đều trở thành một phần của hành trình thị giác. Người xem không chỉ đứng trước tác phẩm để quan sát, mà phải di chuyển, thay đổi góc nhìn và tự mình khám phá những lớp nghĩa mới được mở ra trong không gian. Giám tuyển Vũ Huy Thông cho rằng triển lãm không đặt điêu khắc trong cách nhìn quen thuộc, mà buộc người xem liên tục thay đổi vị trí quan sát. Mỗi bước tiến, lùi hay dịch chuyển sang một góc khác đều tạo ra một hình ảnh mới. Chính sự tương tác giữa ánh sáng, bóng tối, hình khối và khoảng trống đã tạo nên “lớp hình ảnh thứ hai”, biến quá trình thưởng lãm thành cuộc đối thoại giữa điều nhìn thấy và điều tưởng như đã được nhìn thấy. Bởi vậy, “vượt qua” trong triển lãm không đồng nghĩa với việc đạt đến một điểm kết thúc tuyệt đối. Giống như hành trình của dân Do Thái sau khi vượt Biển Đỏ, người Do Thái vẫn phải lang thang trong sa mạc suốt nhiều năm. Học “vượt qua” thử thách không có nghĩa mọi khó khăn biến mất, mà là bước khởi đầu cho một quá trình trưởng thành khác. Với hai nghệ sĩ, đó có thể là sự tiếp tục đối diện, tiếp tục sáng tạo và không ngừng mở rộng những giới hạn của chính mình. “Chân trời sáng tạo” có lẽ mới chỉ là điểm khởi đầu của một hành trình. Không gian triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Sự gặp gỡ giữa Bùi Hải Sơn và Hoàng Tường Minh cũng tạo nên một tầng nghĩa khác của chữ “vượt qua”: sự kết nối giữa những cá nhân, thế hệ và kinh nghiệm sáng tạo khác nhau. Nếu Bùi Hải Sơn chuyển hóa ký ức đau thương thành những suy tư về sự hồi sinh, thì Hoàng Tường Minh đối thoại với vật chất để tìm kiếm những khả năng mới của hình thức. Hai hành trình tưởng như khác biệt nhưng cùng gặp nhau ở niềm tin rằng nghệ thuật luôn bắt đầu từ việc vượt qua những điều đã có. Đó cũng là lý do triển lãm được xem như một cuộc phiêu lưu đối với cả nghệ sĩ lẫn công chúng. Trước ngày khai mạc, chính hai nghệ sĩ cũng không thể hình dung hoàn toàn hiệu quả cuối cùng của các tác phẩm khi đặt trong không gian cụ thể. Chỉ khi điêu khắc thực sự hiện diện cùng ánh sáng, kiến trúc và chuyển động của người xem, những lớp cảm xúc mới dần được bộc lộ. Có thể nói, nếu Bùi Hải Sơn nhìn “Vượt Qua” như hành trình hàn gắn ký ức hậu chiến, thì Hoàng Tường Minh xem đó là quá trình vượt qua giới hạn của vật chất và bản thân người nghệ sĩ. Tại triển lãm lần này, họ đã cùng tạo nên một điểm gặp gỡ chung: khát vọng không ngừng tiến về phía trước. “Vượt Qua” không chỉ là một trạng thái đạt tới, mà là một hành trình liên tục – nơi con người, nghệ thuật và sáng tạo luôn được thử thách để mở ra những chân trời mới. Không gian triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Không gian triển lãm “Vượt qua”. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Bùi Hải Sơn. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Hoàng Tường Minh. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Bùi Hải Sơn. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Hoàng Tường Minh. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Bùi Hải Sơn. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm của Hoàng Tường Minh. Nguồn: Artonis. Thông tin triển lãm Vượt Qua Khai mạc: 31/07/2026 Thời gian: 31/07/2026 – 10/08/2026 Địa điểm: Hội Mỹ thuật TP. HCM  |  218A Pasteur, p. Xuân Hoà, TP. HCM

Triển lãm “Địa tầng ký ức”
Exhibitions - August 05, 2026

Triển lãm “Địa tầng ký ức”

Vừa qua, ngày 24/07/2026, triển lãm “Địa tầng ký ức” đã chính thức khai mạc trong không gian ấm cúng, cô đọng của Bảo tàng Nghệ thuật Quang San, Thành phố Hồ Chí Minh. Triển lãm diễn ra từ ngày 24/07/2026 đến hết ngày 23/08/2026, giới thiệu cuộc đối thoại nghệ thuật giữa hai họa sĩ/nghệ sĩ Chu Viết Cường (Cường Chu) và Vũ Đức Hiếu (Hiếu Mường). Quy tụ 29 tác phẩm gốm và sơn mài, triển lãm “Địa tầng Ký ức” gợi mở cách nhìn về ký ức không chỉ như những hình ảnh được lưu giữ trong tâm trí, mà còn như một phần hiện hữu của chính chất liệu. Từ đất nung, sơn mài đến những bề mặt được bồi đắp qua thời gian và quá trình lao động nghệ thuật, vật chất trở thành nơi lưu giữ dấu vết của ký ức. Bởi vậy, mỗi tác phẩm không chỉ hiện diện như một đối tượng thẩm mỹ, mà còn là một thực thể mang theo những lớp trầm tích của ký ức cá nhân và văn hóa cộng đồng. Không gian triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Hai ngôn ngữ nghệ thuật, một tầng ký ức chung Tại triển lãm “Địa tầng ký ức”, Cường Chu tiếp tục mang đến cho công chúng những series tranh sơn mài khổ vừa và lớn, xoay quanh những đề tài vốn là thế mạnh trong hành trình sáng tác của anh suốt nhiều năm qua: không gian phong cảnh và văn hóa Bắc Bộ. Qua kỹ thuật sơn mài với những lớp phủ, lớp mài được xử lý tỉ mỉ và công phu, những cảnh sắc quen thuộc hiện lên với chiều sâu của thời gian, nơi mỗi lớp màu dường như lưu giữ một lớp ký ức riêng biệt. Tác phẩm của Chu Viết Cường tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Trong khi đó, Hiếu Mường lại mang đến những tác phẩm sơn mài mang hơi hướng lập thể không gian và trừu tượng. Dường như anh đã chuyển hóa cái âm bản của sơn mài thành những chuyển động dương tính của sắc độ, để ánh sáng, hình ảnh và chất liệu cùng soi chiếu những địa tầng ký ức ẩn sâu trong sự tồn tại của mỗi cá thể.  Bên cạnh đó, Vũ Đức Hiếu còn giới thiệu những tác phẩm gốm Mường mang đậm dấu ấn cá nhân. Những tác phẩm này đã rời khỏi chức năng nguyên bản của đồ vật, không còn phục vụ mục đích sử dụng thông thường, mà trở thành những hiện hữu “vô dụng” theo nghĩa tích cực – nơi hình khối, đường nét và chất liệu tự thân cất lên tiếng nói, đối thoại với người xem. Tác phẩm của Vũ Đức Hiếu tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Hai ngôn ngữ nghệ thuật khác biệt gặp nhau tại một “tầng ký ức”. Với hai nghệ sĩ, mỗi nền văn hóa là một hệ thống địa tầng, nơi từng lớp ký ức được thời gian lặng lẽ bồi đắp thành những lớp trầm tích. Có những lớp hiện diện rõ ràng trong kiến trúc, cảnh quan hay sự vật; cũng có những lớp âm thầm tồn tại trong bản sắc của từng cộng đồng và đời sống nội tâm của mỗi cá nhân. Chính tại điểm giao thoa ấy, thực hành nghệ thuật của Vũ Đức Hiếu và Chu Viết Cường tìm thấy sự đồng điệu. Dù xuất phát từ những nguồn mạch cảm hứng khác nhau, cả hai đều xem nghệ thuật như một phương thức khai mở những lớp địa tầng ký ức được kết tinh dưới bề mặt của vật chất và văn hóa. Không gian triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Trong lễ khai mạc triển lãm “Địa tầng ký ức”, ông Nguyễn Thiều Kiên – Giám đốc Bảo tàng Nghệ thuật Quang San – có đôi lời chia sẻ: “Hai anh đều có hành trình sáng tác vô cùng khác nhau, nhưng khi quan sát các tác phẩm tại triển lãm, chúng ta có thể dễ dàng nhận thấy sự khác biệt rõ ràng trong ngôn ngữ nghệ thuật của mỗi người. Tuy nhiên, khi nhìn sâu hơn, người xem sẽ nhận ra một điểm chung rất thú vị giữa hai anh: đó chính là mong muốn lưu giữ và hồi tưởng về một ký ức nào đó. Ký ức ấy có thể là một không gian quen thuộc, một dấu ấn văn hóa, hoặc đơn giản chỉ là một cảm xúc lắng đọng theo thời gian. Đó đều là những điều tưởng chừng rất giản dị nhưng lại có thể dần phai nhòa qua năm tháng nếu chúng ta không dành sự chú tâm để gìn giữ. Chính sự đồng điệu trong cách cảm nhận và những khác biệt trong cách biểu đạt đã tạo nên một cuộc đối thoại nghệ thuật vô cùng đặc biệt trong triển lãm ngày hôm nay.” Tác phẩm của Chu Viết Cường tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Tác phẩm của Chu Viết Cường tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Chi tiết tác phẩm sơn mài của Chu Viết Cường tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Tác phẩm của Vũ Đức Hiếu tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Các tác phẩm gốm Mường của Vũ Đức Hiếu tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Các tác phẩm của Vũ Đức Hiếu tại triển lãm “Địa tầng ký ức”. Nguồn: Artonis. Thông tin triển lãm Địa tầng ký ức Thời gian triển lãm: 24.07.2026 – 23.08.2026 | 9:00 – 17:00 (Đóng cửa vào Thứ Hai) Địa chỉ: Quang San Art Museum - 189B/3 Nguyễn Văn Hưởng, p. An Khánh (Thảo Điền cũ), TPHCM. Vào cửa tự do (không bao gồm các khu vực trưng bày cố định của Bảo tàng)